domingo, 17 de setembro de 2017

Novela Gráfica III 12 - Os Trilhos do Acaso 1

PACO ROCA E A HISTÓRIA DE “LA NUEVE”

Novela Gráfica III – Vol. 12
Os Trilhos do Acaso – Parte 1
15 de Setembro
Argumento e Desenho – Paco Roca
Por + 9,99€
Depois de O Inverno do Desenhador e A Casa, Paco Roca regressa ao convívio dos leitores portugueses com Os Trilhos do Acaso, obra que ocupará os volumes 12 e 13 desta terceira série da colecção Novela Gráfica. Obra monumental e de grande fôlego, o que implicou a sua divisão em dois volumes por questões editoriais, Os Trilhos do Acaso reconstrói a história de La Nueve, a companhia militar francesa integrada na segunda divisão do General Leclerc, que, sob o comando do Capitão Dronne foi a primeira a entrar em Paris, no final da II Guerra Mundial. Uma companhia que tinha a particularidade de ser formada maioritariamente por espanhóis republicanos, exilados em Marrocos, após a vitória de Franco, cuja história vamos descobrir através das recordações de Miguel Ruiz Campos, antigo combatente exilado em França, que Paco Roca entrevista.
Uma história apaixonante e esquecida, sobre a contribuição espanhola na Segunda Guerra Mundial, que Paco Roca conta com mestria, usando como protagonista, “um personagem verdadeiro, mas inventado”. Mas deixemos que seja o próprio Paco Roca a explicar melhor quem foi Miguel Ruiz: “Queria que fosse um soldado real porque as movimentações da maioria deles estão bem documentadas e não funcionava tão bem inventar um soldado. Estive indeciso entre vários. Um deles, que talvez tivesse sido o mais lógico, era Amado Granell, o tenente de La Nueve, mas morreu num acidente de carro nos anos setenta. A outra opção era cingir-me aos três que estavam vivos. Mas em primeiro lugar, esses três já tinham contado muitas vezes a sua vida; em segundo lugar, nenhum dos três esteve na libertação de Paris, e em terceiro lugar, custava-me muito cingir-me a uma pessoa que estivesse viva.
Ainda assim, descobri que um dos integrantes de La Nueve, Miguel Campos, era um tipo muito enigmático. Quase todo o que sabemos de La Nueve vem dos diários de campo do Capitão da companhia, Raymond Dronne, que na década de setenta os reescreveu e publicou. Ele fala de todos os espanhóis, sobretudo dos oficiais, e do resto não diz nada. E aquele de quem mais fala é de Miguel Campos, dizendo que, ainda que não fosse um militar de carreira — como todos os espanhóis, que estavam ali porque foram apanhados no meio da Guerra Civil e estavam ali metidos sem serem militares— tinha uma grande visão militar da estratégia, autoridade de comando, era muito valente e era capaz de infiltrar-se nas linhas inimigas para operações de sabotagem. Dedica-lhe bastantes páginas. E o melhor é que teve um final de vida muito misterioso e novelesco, porque desapareceu numa missão depois da libertação de Paris. Para alguns morreu ali, mas como não se encontrou o seu corpo, especulou-se muito sobre o que lhe teria acontecido. Especulou-se muito, mas como muitos espanhóis tinham nomes falsos — mudaram-nos porque tinham desertado da Legião Estrangeira ou tinham medo de que se fossem capturados afectasse as suas famílias— era impossível seguir o rastro de Miguel Campos. Pareceu-me um bom personagem novelesco e usei-o como protagonista para a minha história.”
Uma história que é contada a dois tempos, entre a actualidade e as décadas de 30 e 40, com as conversas entre o autor e Miguel Ruiz a preto e branco e as recordações do antigo combatente a cores, numa curiosa inversão do esquema tradicionalmente usado para os flashbacks. História, que neste primeiro volume, inclui a evacuação do porto de Alicante; a morte do poeta António Machado, autor do poema de onde Paco Roca tirou o título do seu livro; a passagem por um campo de trabalho; o exílio no norte de África; o alistamento no exército francês e o treino de guerra. Já para acompanhar o regresso à Europa de Miguel Ruiz e dos seus companheiros de La Nueve, o leitor terá de esperar até dia 22 de Setembro, dia em que estará à venda a segunda, e última, parte desta história épica.
Publicado originalmente no jornal Público de 09/09/2017

sexta-feira, 8 de setembro de 2017

Novela Gráfica III 11 - Tempos Amargos


AS CONFISSÕES DE UM ALCOÓLICO

Novela Gráfica III – Vol. 11
Tempos Amargos
08 de Setembro
Argumento e Desenho – Etienne Schréder
Por + 9,99€
Depois de Histórias do Bairro, de Bartolomé Segui e Gabi Beltran, as histórias autobiográficas voltam a estar no centro de mais um volume desta colecção, com Tempos Amargos, de Etienne Schréder, em que o autor relata com grande honestidade, num livro “inspirado e frágil”, como bem o classifica François Schuiten, o seu passado de alcoólico, que o levou a abandonar tudo e a viver uma existência de marginalidade, tendo-se tornado um sem-abrigo.
Nascido em 1950, Etienne Schréder é actualmente um dos responsáveis gráficos da série Blake e Mortimer, tendo colaborado nos álbuns O Estranho Encontro, A Maldição dos Trinta Denários, A Onda Septimus e O Bastão de Licurgo, mas os leitores portugueses conhecem-no também graças ao livro O Segredo de Coimbra, que já teve três edições nacionais. Mas, embora fosse leitor de BD na infância e na adolescência, a vida profissional de Schréder iniciou-se numa área completamente diferente, porque depois de concluir os seus estudos em direito e em criminologia, o autor arranjou emprego no sistema prisional, na prisão de Bruxelas. Um emprego tão monótono como frustrante que lhe destruiu as ilusões sobre o sistemas judicial belga e que o obrigava a confrontar-se com uma realidade de que só conseguia fugir refugiando-se no álcool, até acabar por ser despedido.
Este livro debruça-se precisamente sobre o período de cinco anos, entre 1979 e 1984, em que Schréder, parafraseando Mário Cesariny, “fechou os olhos frente ao precipício e caiu verticalmente no vício”. Esse relato, sem grandes concessões, mas com algum pudor, pois como o próprio reconhece: “não se pode dizer tudo, um livro não é um esgoto”, centra-se sobretudo nos seus companheiros de adição e de marginalidade, deixando praticamente de fora a vida familiar do autor. Seja os seus pais, que apenas aparecem (sintomaticamente) no início do livro como fantasmas, passando pela ex-mulher, que está totalmente ausente, ou até os seus filhos, a quem o livro é dedicado.
Como bem refere João Ramalho Santos no prefácio, há um certo paralelismo entre Tempos Amargos e Journal d’une Disparition (Shissō Nikki) do japonês Hideo Azuma, um autor de mangá alcoólico que também viveu como um sem-abrigo, mas se Azuma manteve o seu estilo caricatural que usava nos seus trabalhos mais comerciais para este relato autobiográfico, já Schréder afasta-se da limpidez da “linha clara” de O Segredo de Coimbra, ou da série Blake & Mortimer, para abraçar um registo mais expressionista, feito de aguadas de guache, altos contraste de preto e branco, enquadramentos angulosos e perturbadores, com os cenários, desenhados com precisão fotográfica em O Segredo de Coimbra, a serem aqui por vezes apenas sugeridos, sem que com isso percam força. Veja-se, por exemplo, a sombra ameaçadora do Palácio de Justiça de Bruxelas, que domina a página 33. Em suma, uma mudança de registo perfeitamente adequada às necessidades da história e que mostra bem o domínio apurado que Schréder possui dos mecanismos narrativos da BD.
Outra diferença fundamental entre Schréder e Azuma, é que, se o segundo se refugiou no álcool para fugir à pressão dos prazos que uma carreira de autor de mangá de sucesso obriga, já Schréder encontrou na BD a realização pessoal e profissional. Isso sucedeu graças a um curso nocturno de BD ministrado por Alain Goffin, que frequentou em 1984 e que lhe possibilitou trabalhar com diversos autores, como o próprio Goffin, Yslaire, Raoul Servais e sobretudo com Schuiten e Peeters, dupla que teve um peso decisivo na sua afirmação como autor completo. Um autor que neste tocante Tempos Amargos, revela todo o seu talento e sensibilidade pela forma como consegue transmitir ao leitor um momento marcante e complexo da sua vida.  
Publicado originalmente no jornal Público de 02/09/2017

sábado, 2 de setembro de 2017

Novelas Gráficas III 10 - Histórias do Bairro

UMA INFÂNCIA NO BARRIO CHINO

Novela Gráfica III – Vol. 10
Histórias do Bairro
Sexta, 01 de Setembro
Argumento – Gabi Beltrán
Desenho – Bartolomé Segui
Por + 9,99€
Depois de Miguelanxo Prado e Max, chegou a vez dos leitores portugueses descobrirem mais um exemplo da incrível vitalidade da novela gráfica espanhola, com Histórias do Bairro, de Gabi Beltran e Bartolomé Segui, o décimo volume desta série III, que chega aos quiosques de todo o país na próxima sexta-feira, 1 de Setembro.
Embora na edição portuguesa surja num único volume, Histórias do Bairro foi publicado originalmente em dois volumes, o primeiro dos quais, 10 Histórias del Barrio, arrebatou o Prémio Ciutat de Palma de Cómic, em 2011, sendo publicado pela editora basca Astiberri, como título abreviado de Historias del Barrio, menos de um ano depois, na prestigiada colecção Sillon Orejerro, que acolhe, entre outras, as obras de Paco Roca e também do português José Carlos Fernandes. Seguiu-se, em 2014, a segunda parte da história da adolescência do jovem Gabi, em Historias del Barrio: Caminos, mas o próprio Beltran é o primeiro a apontar que os dois volumes formam uma única história referindo que este segundo volume: “não é uma continuação em si. Quando acabamos com tudo isto, só haverá uma obra.”
Relato sem concessões de uma infância e uma adolescência passadas no bairro Sa Gerreria, o barrio chino da cidade de Palma de Maiorca, a capital das ilhas Baleares, numa altura em que a ilha não era o destino turístico que hoje é, Histórias do Bairro retrata um dia-a-dia de pobreza, marcado pelas drogas, delinquência e prostituição Para além dos seus amigos e companheiros de brincadeiras que ultrapassavam largamente os limites da legalidade, ficamos a conhecer também os gostos musicais e literários de Gabi, que não são diferentes dos de qualquer adolescente português de inícios da década de 80. Veja-se a T-shirt dos Joy Division, que Gabi veste ao longo de todo livro, ou a importância que a música Golden Brown dos Stranglers adquire na história O Descapotável. Já em termos literários, Beltran utiliza as leituras do jovem Gabi para enquadrar as histórias na época e também reflectir o seu próprio amadurecimento intelectual, com as revistas de BD icónicas da transição para a democracia, como a Totem ou a 1984 a darem lugar nos capítulos finais, a escritores como Steinbeck, Hemigway ou F. Scott Fitzgerald, nomes maiores da chamada “geração perdida”, que Gabi vai descobrir nas estantes da mulher mais velha que lhe mostra que o mundo pode ser bem mais vasto do que o Barrio Chino.
Embora seja também ele ilustrador, Gabi Beltrán assume-se aqui como escritor, algo evidente nos textos de cariz autobiográfico que intercalam cada uma das histórias, e ocupa-se “apenas” do argumento e das cores de Histórias do Bairro, entregando o desenho ao seu conterrâneo Bartolomé Segui, que conhece muito a Palma de Maiorca dos inícios da década de 80, por nela ter vivido. Vencedor, com Felipe Hernandez Cava, do Prémio Nacional del Comic em 2009, com Las Serpientes Cegas, Segui opta aqui por um estilo mais caricatural e de legibilidade mais imediata, que dá um toque visualmente mais agradável a uma realidade de grande dureza, o que ajuda o leitor a entrar mais facilmente na história.
Mas, melhor do que eu, deixemos que seja Alvaro Pons a exaltar os méritos do desenhador (e da linguagem da BD): “…Seguí adapta-se às necessidades do argumentista e sabe integrar os relatos de Beltrán num nível narrativo duplo: por um lado, a voz do narrador, que flui independente no exercício da memória; por outro, as histórias que se vão contando, que se vão apoiando no primeiro relato, mas sem perder a sua própria autonomia. Seguí consegue gerir os silêncios gráficos, pese embora a voz de fundo do narrador, fazendo chocar esse texto de natureza puramente literária com a força da narração visual para obter efeitos impensáveis em qualquer outra arte”.
Publicado originalmente no jornal Público de 26/08/2017

quarta-feira, 30 de agosto de 2017

Evocando Bernie Wrightson


Como já tive ocasião de referir aqui, no nº 22 da revista Bang!, que chegou às lojas FNAC em Julho, tive oportunidade de homenagear Bernie Wrightson, o mestre do terror falecido a 18 de Março.
Aqui vos deixo o texto que publiquei na Bang!, com uma série de ilustrações que acabaram por não entrar na revista. Boa leitura!

EVOCANDO BERNIE WRIGHTSON

No passado dia 18 de Março, faleceu, vítima de um tumor cerebral, o desenhador americano Bernie Wrightson, co-criador de Swamp Thing, o Monstro do Pântano, entre muitas outras coisas. Apesar de, como infelizmente é habitual em Portugal, não haver praticamente nada deste autor publicado em edição nacional, com a excepção de alguns episódios de Swamp Thing publicados nos anos 80 no Mundo de Aventuras, isso em nada diminui a importância do seu trabalho, dividido entre a Banda Desenhada e a ilustração, com ligações à literatura e ao cinema. Um trabalho fantástico e de grande impacto visual, muito centrado no terror e no fantástico, que este artigo procura dar a descobrir aos leitores da revista Bang!

AS RAÍZES DE UMA CARREIRA

Nascido em 1948, na semana de Halloween, em Baltimore, Mariland, na mesma cidade onde nasceu o escritor Edgar Alan Poe, não admira que Wrightson se tenha tornado, também ele, um Mestre do Terror. A sua atracção pelo género fantástico veio desde cedo, e foi alimentada pelas revistas de terror da editora EC Comics e por programas radiofónicos, como The Lights Out, que encenava, em versão de teatro radiofónico, pequenos contos de terror na linha dos publicados na revista Tales From the Crypt, da EC Comics, que o pequeno Bernie lia às escondidas.
Com o fecho das revistas de terror da EC, provocado pela instauração do Comics Code, um código de autocensura que vinha impor restrições concretas às publicações de Banda Desenhada, Wrightson só voltaria a ter oportunidade de ler histórias de terror em BD em meados dos anos 60, quando o editor James Warren lança a revista Creepy, que recuperava a tradição das histórias de terror da EC Comics. Dono de um império editorial iniciado em 1958 com a revista Famous Monsters of Filmland, dedicada ao cinema de terror, em que a BD estava ausente, Warren estreia-se na BD em 1964, com o primeiro número da revista Creepy, uma publicação a preto e branco em formato magazine - ligeiramente superior ao tradicional formato comic book e, por isso mesmo, livre das restrições do Comics Code, que se aplicava apenas às publicações em formato comic book - que reunia artistas do calibre de um Frank Frazetta, Al Williamson, Angelo Torres e Gray Morrow, ilustrando argumentos de escritores como Archie Goodwin e Bruce Jones.

E foi precisamente nas páginas do nº 9 da revista Creepy que o jovem Bernie Wrightson se estreou, com uma ilustração publicada no correio dos leitores em 1966, ainda antes de começar a colaborar como ilustrador no jornal The Baltimore Sun. Mas o acontecimento que mudou a sua vida ocorreu um ano depois, em 1967. Foi a World Science Fiction Convention, em Nova Iorque, que tinha Hall Foster e Frank Frazetta como convidados e onde Bernie conheceu Al Williamson (um dos grandes desenhadores da EC), Dick Giordano (desenhador e editor da DC Comics) e dois jovens autores que se tornariam seus grandes amigos: Jeffrey Jones e Michael Kaluta. Através deles, Wrightson conheceu Carmine Infantino, o director editorial da DC, que gostou do trabalho dele e o convidou a colaborar na revista House of Secrets, uma publicação antológica que recolhia histórias de fantasia e policiais, mas que os editores pretendiam encaminhar mais para o registo do terror.
Foi para o nº 92 dessa revista que Wrightson, que entretanto já estava a morar em Nova Iorque, desenhou Swamp Thing, uma história de oito páginas, escrita por Len Wein. Wrightson, que teve apenas uma semana para desenhar a história,  teve de recorrer bastante a referências fotográficas (com Jeffrey Jones a tirar as fotos e a sua mulher Louise, Mike Kaluta e o próprio Wrightson a servirem como modelos) e precisou ainda da ajuda de Jones no desenho e na passagem a tinta de algumas páginas, para acabar a história a tempo. Embora não seja dos melhores trabalhos de Wrightson, longe disso, a história teve um sucesso incrível e nesse mês a House of Secrets foi o título da DC mais vendido, suplantando as revistas do Batman e do Superman.

Perante tal sucesso, não admira que a editora tenha decidido explorar o filão e, cerca de um ano depois, em 1972, o Monstro do Pântano regressava finalmente numa nova encarnação contemporânea (a história original passava-se no século XIX) como cabeça de cartaz de uma nova revista mensal, escrita por Wein e desenhada por Wrightson. Ao longo de dez números, publicados a cada dois meses, os dois criadores exploraram os diferentes nichos do terror literário e cinematográfico e houve ainda espaço para um memorável encontro entre o Batman e o Monstro do Pântano. Até que Wrightson se fartou e decidiu abandonar a série, sendo seguido três números depois por Len Wein, que só voltaria à série como editor, quase dez anos depois, sendo então responsável pela escolha de um jovem escritor inglês chamado… Alan Moore, para argumentista. Mas isso já é uma outra história…


A ÉPOCA WARREN

Uma das razões que levou Wrightson a abandonar a revista do Monstro do Pântano no auge da sua popularidade, para além de um certo cansaço criativo, foi a desilusão do desenhador orgulhoso do seu trabalho, ao ver as suas histórias mal impressas, com uma cor empastelada que escondia os detalhes do seu traço pormenorizado. Daí que tenha aceitado imediatamente o convite do editor James Warren para colaborar nas revistas Creeepy e Eerie, da Warren.
Aí, para além de ver o seu trabalho publicado a preto e branco, em revistas muito bem impressas, num formato maior do que o dos comics tradicionais, Wrightson foi receber 110 dólares por página, bem acima dos 65 dólares que recebia na DC, podendo ainda recuperar os seus desenhos originais, algo que os contratos da DC e Marvel ainda não contemplavam. Foi nestas condições, rodeado de alguns dos desenhadores que mais admirava, como All Williamson, Frank Frazetta, Richard Corben e Carmine Infantino, cujos desenhos passou a tinta em algumas histórias, que Wrightson assinou alguns dos seus melhores trabalhos, entre 1974 e 1982, seja adaptando clássicos da literatura como The Black Cat de Edgar Alan Poe, ou Cool Air, de Lovecraft, seja ilustrando argumentos de Bill Dubay e Bruce Jones, como em Jenifer, uma história memorável que seria adaptada à televisão por Dario Argento, para a série Master of Horror.


FRANKENSTEIN E O THE STUDIO

Entre a dúzia de histórias que desenhou para a Warren, está The Muck Monster, uma das raras histórias que também escreveu e que seria publicada no nº 68 da revista Eerie, numa versão a cores contra a vontade do próprio Wrightson. Para além do extraordinário trabalho gráfico de Wrightson, esta variação sobre a história do Dr. Frankenstein contada na perspectiva do monstro, pode ser vista como um ensaio para o trabalho da sua vida, as ilustrações para o Frankenstein de Mary W. Shelley. Quase cinquenta ilustrações, realizadas ao longo de sete anos, que o próprio autor considera muito justamente como o seu melhor trabalho de sempre. Com um estilo evocativo da gravura, influenciado pelas ilustrações de Franklin Booth, as ilustrações de Wrightson para o Frankenstein são um assombro de detalhe, qualidade de composição e dramatismo. Imagens tão belas como espectaculares, que conquistaram coleccionadores como os cineastas Guillermo Del Toro e George Lucas, que compraram vários dos originais.

Publicado originalmente pela Marvel em 1982, o Frankenstein de Bernie Wrightson, seria reeditado pela Underwood-Miller em 1994 e pela Dark Horse em 2008, numa luxuosa edição comemorativa do 25º aniversário da publicação original, mas todas estas edições estão completamente esgotadas atingindo preços proibitivos no EBay.
Foi nesse período, em que começava privilegiar a ilustração em relação à BD, realizando uma série de ilustrações para posters e portfolios para a Cristopher Entreprises, incluindo ilustrações sobre obras de Edgar Alan Poe e um livro de monstros para colorir, que Wrightson decidiu procurar um espaço de trabalho fora de casa.
Tudo começou a partir de uma conversa com Barry Windsor-Smith, o desenhador de Conan, que andava à procura de um espaço para instalar o seu atelier e que acabou por encontrar um excelente local num sótão amplo e cheio de luz, num prédio no bairro de Chelsea, no centro de Manhattan. Como a renda do espaço, que servia de arrecadação para uma tipografia, era de 400 dólares, e nenhum dos artistas conseguia pagar mais de 100 dólares por mês, convidaram Jeff Jones e Mike Kaluta para dividir o espaço e (sobretudo) a renda.
Nascia assim, em 1976, por motivos puramente pragmáticos, o Studio. Um espaço que era essencialmente um local de trabalho de quatro artistas que procuravam transcender o mundo dos comics, e também um espaço de encontro e de convívio (as festas no Studio ficaram famosas no meio da BD), mas que adquiriu uma dimensão quase mítica, face à incrível concentração de talento debaixo do mesmo tecto, que um livro/catálogo da Paper Tiger, a editora que publicava os livros com as ilustrações de Roger Dean para as capas dos discos dos Yes, registou para a posteridade.
Tudo começou quando um representante da editora, que estava em Nova Iorque para preparar um livro sobre os dez melhores ilustradores americanos de fantasia acabou por ir parar ao Studio e descobrir fascinado o espaço e o trabalho dos quatro autores. Mas deixemos que seja o próprio Bernie Wrightson a contar como tudo se passou: “o espaço era grandioso. Tínhamo-lo decorado como os salões de Paris na viragem do século. Sabíamos que era um espaço fantástico. Sabíamos que quando se entrava ali, era como entrar na caverna de Aladino, cheia de tesouros. Então falámos com o tipo, acho que saímos para jantar e, no fim do dia, ele tinha modificado os seus planos de um livro sobre os dez melhores artistas de fantasia, para um livro só sobre nós os quatro. Ao longo daquela tarde, passámos de quatro gajos que precisavam de um espaço maior para trabalhar, para os Beatles da Arte Fantástica.”
Curiosamente, quando o livro saiu em 1979, o Studio já não existia e os quatro artistas estavam cada um para seu lado, mas isso não impediu que a memória do Studio continue a influenciar artistas um pouco por todo o lado, como acontece ainda agora em Portugal com o Lisbon Studio.


DE STEPHEN KING AO CINEMA

Entre as capas e algumas BDs ocasionais que fez para a Marvel e DC e outros trabalhos mais inesperados, como uma capa para o disco Dead Ringer de Meatloaf, Wrightson iniciou uma colaboração com o escritor Stephen King, que começou com um calendário que se transformou em livro, The Cycle of the Werewolf e que incluiu ilustrações para romances de King como The Stand e The Dark Tower, passando pela adaptação à BD de um filme que homenageava precisamente as BDs de horror da EC e da Warren que marcaram a vida de Wrightson. O filme chamava-se Creepshow e juntou King a George Romero (o inventor dos zombies no cinema com The Night of the Living Dead ) e Wrightson teve apenas três meses para desenhar as 64 páginas da adaptação à BD que a sua mulher, Michelle, coloriu. Um desafio arriscado, que venceu com sucesso assinalável.
Essa não foi a única experiência de Wrightson no cinema, pois além de ter trabalhado como artista conceptual nos filmes Ghostbusters I e II, Firefly, The Green Mile, Dark Country, The Mist e no primeiro Spider-Man de Sam Raimi, Captain Stern, uma história curta que fez para a revista Heavy Metal, foi adaptada directamente num dos capítulos do filme de animação com o mesmo nome.


O REGRESSO À BANDA DESENHADA

Apesar do seu trabalho como ilustrador, Wrightson nunca cortou completamente com a BD tendo desenhado diversas histórias ao longo das últimas três décadas, com destaque para o Batman, que desenhou na mini-série The Cult, de 1987, uma história sombria sobre um culto religioso em que o estilo do desenhador encaixa como uma luva, e voltaria a desenhar no primeiro encontro entre o Cavaleiro das Trevas e os monstros do filme Alien de Ridley Scott. 
Mas foi com o escritor Steve Niles, criador da série 30 Dias da Noite, que Wrightson colaborou mais directamente nos últimos anos, assinando livros como The Ghoul, City of Others (em que as cores de José Villarubia foram impressas directamente sobre o desenho a lápis de Wrightson, com excelentes resultados) e sobretudo Frankenstein Alive, Alive!, obra que assinalou o regresso do desenhador à obra de Mary Shelley e que valeria o prémio da National Cartonist Society para a Melhor BD de 2013.
Um regresso simbólico ao local onde foi mais feliz e que funcionaria como o canto de cisne do artista, cuja influência é visível em desenhadores como o alemão Andreas, ou americano Kelley Jones, entre outros.
Publicado originalmente na revista Bang! nº 22, em Julho de 2017

sexta-feira, 25 de agosto de 2017

Novela Gráfica III 9 - Os Livros da Magia

O APRENDIZ DE FEITICEIRO, 
NO MUNDO MÁGICO DE NEIL GAIMAN

Novela Gráfica III – Vol. 9
Os Livros da Magia
Sexta, 25 de Agosto
Argumento – Neil Gaiman 
Desenho – John Bolton, Scott Hampton, Charles Vess e Paul Johnson
Por + 9,99€
Depois da publicação da série Sandman, Neil Gaiman regressa com Os Livros da Magia, a mini-série que lançou Tim Hunter no universo da DC e que chega finalmente a Portugal na próxima sexta-feira, integrada na terceira série da colecção Novela Gráfica.
Publicado originalmente como uma mini-série em quatro volumes entre 1990 e 1991, pensada para dar a conhecer aos leitores o universo de magia da DC, concentrado na linha Vertigo, Os Livros da Magia, eram para ser escritos por J. M De Matteis na forma de um livro ilustrado, em que as páginas de texto alternavam com ilustrações de página inteira de Jon J Muth, Kent Williams e Dave McKean.
Quando alguns destes artistas se desinteressaram do projecto, o próprio De Matteis decidiu também afastar-se e a editora Karen Berger virou-se para a escolha óbvia: Neil Gaiman. Mas deixemos que seja o próprio Gaiman a contar como tudo se passou: “Karen telefonou-me e disse, “Queremos fazer um livro que seja um Quem é Quem, um guia e uma história de todos os nossos personagens mágicos. Mas em vez de um Quem é Quem no Universo DC, seria uma BD com uma história e um enredo. Consegues fazer isso?”. Ri-me na cara dela, disse-lhe, “Não sejas tola”, e desliguei. Um dia depois, estava muito bem sentado e de repente apercebi-me como fazer essa história de uma maneira que funcionasse. Liguei logo à Karen, inebriado com o entusiasmo do meu próprio génio e disse-lhe, ”Pode ser feito!”. Ela disse “ainda bem” e mandou-me o contrato.”
O plano de Gaiman assentava num miúdo inglês de doze anos, Timothy Hunter, que descobre que está destinado a ser o maior feiticeiro de sempre e que vai ter como guia aos recantos mágicos do universo DC, a Brigada das Gabardinas, constituída por John Constantine, Phantom Stranger, Dr. Oculto e Mister E.
Ao longo dos quatro capítulos da história, desenhados respectivamente por John Bolton, Scott Hampton, Charles Vess e Paul Johnson, cada um dos magos dá a descobrir ao jovem Hunter uma faceta e uma época diferente do Universo DC. No primeiro capítulo, ilustrado por Bolton, o Phantom Stranger mostra-lhe o nascimento do universo e o aparecimento da magia na Terra. No segundo, pintado por Scott Hampton, John Constantine, personagem que Gaiman já tinha escrito nos primeiros capítulos da série Sandman, leva Tim numa viagem à América, onde este conhece Zatanna, entre outras personagens do universo mágico da DC. No terceiro capítulo, Charles Vess, que tinha acabado de trabalhar com Gaiman em Sandman, dá vida com o seu traço inconfundível à visita de Tim e do Dr. Oculto ao Faerie, o reino das fadas. Finalmente, no último capítulo, ilustrado por Paul Johnson, Mr. E leva Tim bem longe num possível futuro do Universo DC.
A diferença de registos gráficos dos quatro capítulos ilustrados em cor directa e com uma grande diversidade de técnicas, fazem de Livros da Magia um livro belíssimo e visualmente espectacular, mas foi a história de Gaiman que mais contribuiu para o sucesso de Livros da Magia, que daria origem a uma série mensal que durou 75 números (tantos quanto o Sandman) e a diversas mini-séries, publicadas entre 1992 e 2005.
Apesar da figura de Tim Hunter ser fisicamente baseada no filho de John Bolton, houve também quem visse nele a principal fonte de inspiração de J. K. Rowling para o seu Harry Potter, publicado sete anos depois. Mas Gaiman é o primeiro a afastar estas suspeitas, referindo: “Eu não fui certamente o primeiro escritor a criar um miúdo com óculos com o potencial para se tornar o mais poderoso mágico do mundo. Criar um miúdo com poderes mágicos – ou, mais importante, com potencial para a magia – e usar corujas e outras coisas do género, são coisas bastante óbvias tendo em conta a tradição da literatura fantástica. J. K. Rowling não foi a primeira pessoa a mandar um miúdo para uma escola de feiticeiros. De Jane Yolen e Diane Dune, nos tempos recentes, até escritores mais antigos, como T. H. White e E. Nesbit, não faltam exemplos.”
Publicado originalmente no jornal Público de 19/08/2017

sexta-feira, 18 de agosto de 2017

Novela Gráfica III 8 - Vapor

AS TENTAÇÕES DO EREMITA

Novela Gráfica III – Vol. 8
Vapor
Argumento e Desenho – Max
Sexta, 18 de Agosto
Por + 9,99€
Nome maior da novela gráfica espanhola, distinguido com o Prémio Nacional Del Comic em 2007, o catalão Max é mais um dos autores que vê finalmente o seu trabalho editado em livro em Portugal graças à colecção Novela Gráfica, onde será dado à estampa no próximo dia 18 de Agosto, o livro Vapor, um dos seus trabalhos mais recentes, que relata a tentativa de ascensão do eremita Nicodemos (ou nick, para o gato mosh) a uma realidade espiritual superior, num estranho deserto onde não faltam as distracções, nem as tentações...
Se as lacunas da edição nacional que estas colecções têm ajudado a corrigir são bem evidentes, no caso de Max, nascido Francesc Capdevila em 1956, em Barcelona, essa lacuna era ainda mais escandalosa, pois Max já esteve presente por diversas vezes nos Salões de Banda Desenhada do Porto, Beja, Amadora e Lisboa e a revista Quadrado (tanto na primeira como na segunda série) publicou várias histórias curtas suas, tal como aconteceu com a mítica revista brasileira Animal, onde os leitores portugueses mais atentos aos quiosques puderam descobrir, entre outras histórias memoráveis, a série Peter Pank, uma versão iconoclasta do Peter Pan de James Barrie, popularizado pelo filme dos estúdios Disney.
Com uma carreira profissional iniciada no início da década de 70 no fanzine El Rollo Enmascarado, onde participaram também Nazario e Mariscal, Max vai estar ligado à formação da revista El Vibora em 1979, onde publica Gustavo, o seu primeiro (anti) herói, criado dois anos antes para o fanzine Muérdago e a trilogia dedicada a Peter Pank, que lhe valeu o prémio de Melhor Obra no Saló del Còmic de Barcelona de 1988 para El Licantropunk, o segundo capitulo das aventuras de Peter Pank.
Apesar de publicar directamente em França e ter uma carreira como ilustrador que o levou, entre outros sítios, à capa da revista New Yorker, Max nunca abandonou uma atitude interventiva em relação à actualidade, consubstanciada na revista Nosostros Somos los Muertos, que editou, com Pere Joan, entre 1995 e 2007.
Tal como o seu estilo evoluiu de um registo marcado pela obra de Robert Crumb para um estilo mais limpo e redondo, próximo da “linha clara” franco-belga, também essa colagem interventiva à actualidade dá gradualmente lugar a trabalhos mais introspectivos, em que a dimensão onírica e surreal ganha um peso cada vez maior. Uma evolução que se inicia em El Prolongado Sueño del Sr. T e que continua no premiado Bardin, el Superrealista com quem este Vapor, apesar de um registo gráfico ainda mais depurado, partilha o cenário do deserto, transformado num palco teatral de uma comédia surreal.
Com efeito, o deserto onde Bardin encontra o Cão Andaluz de Buñuel e Dali, acaba por ser o mesmo onde o eremita nick procura a paz de espírito, através do jejum e da oração em Vapor e onde as personagens dos quadros de Bosch deambulam em O Tríptico dos Encantados, o livro sobre Hieronimus Bosch que Max fez para o museu do Prado em 2016.
Cruzamento, tão inesperado como conseguido, entre o Krazy Kat, de George Herriman, o filme Simão do Deserto, de Buñuel e as Tentações de Santo Antão, de Bosch, Vapor é uma óptima porta de entrada para a obra de Max.
Publicado originalmente no jornal Público de 12/08/2017

quinta-feira, 17 de agosto de 2017

Um punhado de imagens do Viñetas desde o Atlântico 2017

Treze anos depois, regressei finalmente ao Viñetas desde o Atlântico, o Festival de BD da Corunha organizado por Miguelanxo Prado, com uma equipa que inclui Carlos Portela e Melo Melowsky (que é também o responsável pela área de BD da Comic Con portuguesa)  e que é, a par com o Festival de Beja, o mais simpático Festival de BD em que estive. Ao contrário da edição de 2004, onde estive como convidado, acompanhando uma exposição dedicada ao 25 de Abril na BD Portuguesa, que comissariei, desta vez regressei como simples turista, apanhando apenas os últimos dias do Festival, com a programação oficial praticamente terminada, o que me impediu de reencontrar alguns amigos e conhecidos e de apanhar a última sessão de autógrafos com os autores presentes, que estava a terminar no momento em que eu estava a chegar à Coruña, por volta das 14h de sábado.
E aqui fica um aviso para os visitantes que forem de Portugal: no Viñetas respeitam mesmo a hora da siesta tão tipicamente espanhola. Entre as 14h e as 18h todos os espaços de exposição estavam fechados, tal como as lojas da Rua da BD, o espaço junto ao Kiosco Alfonso, onde estão instalados os stands das editoras e das livrarias galegas.
O lado bom de ter chegado no "fim da festa", é que, com excepção da Biblioteca Salvador de Madariaga, que estava fechada ao domingo. acabei por guardar a minha visita às exposições e à área comercial, para a manhã de domingo, onde havia muito menos gente no que no sábado à tarde, o que permitiu visitar as exposições com outra calma.
Contando com o Kiosco Alfonso como núcleo principal, as exposições estavam espalhadas também por outros lugares próximos, como a Fundacion Barrié, ou novo edifício Palexco, situado junto ao mar e também para outros lugares mais distantes, como a Torre de Hércules, símbolo icónico da Coruña, onde estava uma exposição dedicada aos 20 anos de cartazes do festival, que incluía o magnífico cartaz de Das Pastoras para a edição deste ano, que não tive oportunidade de visitar.
Mas as melhores exposições estavam no Kiosco Alfonso, o coração do Festival, que albergava pranchas originais (e impressões digitais) de Dave Mckean, Ralph Meyer, Eduardo Risso, Julie Rocheleau e o galego Kiko da Silva.
Mckean apresentou os quatros projectos de BD em que está a trabalhar neste momento e que, com excepção de Black Dog, ainda não foram publicados e que além de Caligaro, um projecto em que o desenhador trabalha desde a sua passagem pelo Festival de BD de Beja, inclui também um projecto feito em parceria com Roger Dean, o conhecido ilustrador das capas dos discos de bandas de rock sinfónico como os Yes.
Ralph Meyer concentrou a sua exposição na série Undertaker, o popular Western criou com Dorrison  e que é um dos melhores exemplares actuais da BD de aventura clássica franco-belga e os seus originais a preto e branco são magníficos, tal como as suas pinturas a cores. Eduardo Risso apresentou uma exposição antológica, que incluía trabalhos mais antigos como Parque Chas, ou Fulú, até títulos mais recentes como Moon Shine, ou Torpedo 1972, em que retoma o famoso (anti)herói de Abuli e Bernet. Mas, para mim, a grande surpresa da exposição de Risso, foram os magníficos originais a cores de 1950, uma história de 2010 que, presumo, terá sido a sua última colaboração com Carlos Trillo.
Se Meyer, McKean e Risso são autores cujo trabalho conheço bem, já Kiko da Silva, de quem conhecia apenas o divertido O Inferno do Desenhador, foi uma muito agradável surpresa, pela qualidade e versatilidade do seu trabalho, que não se limita ás duas dimensões da BD. Outra belíssima surpresa foi o trabalho (inteiramente digital) da canadiana Julie Rocheleau, que tem feito carreira na BD franco-belga e que revela um traço de grande elegância, excelente sentido de composição e um trabalho de cor tão inesperado como espectacular.
A nível das exposições que visitei, destaque ainda para a mostra dedicada os 10 Anos do Prémio Nacional del Comic, que incluía várias obras já publicadas em Portugal, como A Arte de Voar, de Altarriba e Kim, Ardalém, de Miguelanxo Prado, Rugas, de Paco Roca, e Blacksad: Amarillo, de Guarnido e Diaz Canales. 
A parte comercial, para além de dar para perceber que, entre franceses, japoneses e americanos, praticamente tudo o que de importante se publica no mundo está disponível em espanhol, mas as minhas compras centraram-se na BD espanhola em geral e na BD galega em particular. E aqui, merece destaque a revista La Resistência, publicada pela editora Dibbuks, que neste sexto número tem 128 páginas de BD e recolhe histórias de mais de uma vintena de autores.
Mas para além dos espaços do Festival, a BD está bem presente na Coruña, seja através das estátuas de personagens de BD (algumas bastante mais conseguidas do que outras), seja nos grafittis, ou num espaço como a Pulperia de Melide, um restaurante onde servem exclusivamente polvo à galega, cujas paredes estão decoradas com desenhos dos autores que passaram pelas Viñetas do Atlântico.

                 Uma escultura de Blacksad, junto a um dos núcleos do Viñetas

                                 O fantástico trabalho de Julie Rocheleau
                                  1950. A última (?) colaboração de Trillo e Risso
                                             Black Dog, de Dave McKean
 Original de Bardin, de Max, um dos vencedores do Prémio Nacional de Comic
                           Uma parede da Pulperia de Melide cheia de desenhos
                                   Algumas das BDs que trouxe da Coruña

sexta-feira, 11 de agosto de 2017

Novela Gráfica III 7 - Dylan Dog: Mater Morbi

Tal como aconteceu com Ronin, também neste Mater Morbi, que assinala a estreia de Dylan Dog em edição nacional, tive o privilégio de fazer a tradução e o prefácio do volume, para além da coordenação editorial, o que teve um sabor especial, dado Dylan Dog ser uma das minhas séries de BD favoritas, como é fácil de perceber, pelos vários posts que já lhe dediquei. Por isso, deixo-vos com o texto de introdução que escrevi para o volume, em vez do habitual texto do Público, que pode à mesma ser lido, bastando para tal carregar na imagem.

COM MATER MORBI,
DYLAN DOG CHEGA FINALMENTE A PORTUGAL

Novela Gráfica III – Vol. 7 
Dylan Dog: Mater Morbi
Argumento – Roberto Recchioni
Desenhos – Massimo Carnevale
Sexta, 11 de Agosto
Por + 9,99€

NOSSA SENHORA DO SOFRIMENTO

A história que vão poder ler a seguir é muito importante por duas razões. Primeiro, por assinalar a estreia em edição nacional de Dylan Dog, o popular detective do sobrenatural criado por Tiziano Sclavi para a editora Bonelli em 1986 e que, mais de trinta anos depois da sua estreia, se mantém como um verdadeiro fenómeno de culto e uma das mais importantes e populares séries dos fumetti (nome dado à banda desenhada em Itália). Para além da importância histórica desta edição, Mater Morbi é também uma das melhores histórias de Dylan Dog da última década (o que, tendo em conta que se publicam perto de uma vintena de histórias do investigador do pesadelo todos os anos, não é coisa pouca…) e a mais publicada a nível internacional.
Mas antes de nos determos em Mater Morbi, convém traçar um quadro geral dos fumetti da Bonelli, de que a série Dylan Dog é um dos marcos. E o segredo do sucesso das publicações de Sergio Bonelli, alicerçado na popularidade do cowboy Tex, criado pelo seu pai, Gian Luigi Bonelli e pelo desenhador Aurelio Galleppini, consistiu precisamente em fornecer aos leitores edições baratas, em pequeno formato, com perto de uma centena de páginas, lançadas a um ritmo mensal. Essa receita, que consegue aliar uma produção quase industrial, com capacidade de lançar mais de mil páginas por mês, a uma qualidade muito razoável, nasceu como reacção ao boom da TV privada na Itália nos anos 70, que veio provocar uma crise no mercado da BD. Face a uma televisão que oferecia programas gratuitos para todos os gostos, Bonelli propôs aos seus leitores verdadeiras novelas gráficas de quase cem páginas, dedicadas aos mais diversos géneros, do Western, ao policial, passando pela ficção científica e pelo terror, capazes de prender a atenção do leitor durante uma hora, ou mais, que vivem muito da notável capacidade produtiva de uma série de argumentistas de talento, aliados a um leque necessariamente bem mais alargado de desenhadores.
A reacção dos leitores italianos a esta nova forma de BD foi entusiástica, com algumas revistas de Bonelli a atingirem tiragens próximas do milhão de exemplares, para além das constantes reedições de títulos antigos. Durante um curto período na década de 90, a série Dylan Dog chegou mesmo a ultrapassar o meio milhão de exemplares mensais, superando as vendas de Tex e de Topolino (a revista do rato Mickey) e afirmando-se como a BD mais vendida em Itália, algo só possível graças a um público fiel e heterogéneo. Um público, que não se restringe aos leitores habituais de BD e que engloba também muitas mulheres, fãs do cinema de terror, que Sclavi citava abundantemente, quadros médios e universitários, e até intelectuais como Umberto Eco, fã assumido de Dylan Dog.
Neste tipo de estrutura de produção, o papel do argumentista é bem mais importante do que o do desenhador, que vai variando, com vários desenhadores a trabalharem em simultâneo na série, de maneira a assegurarem a produção de quase cem páginas por mês, que podem levar perto de um ano a desenhar. Por isso, embora ele diga que se identifica mais com os monstros, Tiziano Sclavi, que durante a primeira década da série assegurou a escrita da maioria dos argumentos de Dylan Dog, supervisionando os restantes, tal como Gustave Flaubert, que dizia que a Madame Bovary era ele, é Dylan Dog. Daí que, com o gradual afastamento de Sclavi da escrita da série, motivado pela dificuldade cada vez maior em escrever novas aventuras para o (anti)herói que criou, a mesma tenha decaído em popularidade (e qualidade).
Coube ao editor Mauro Marcheselli a espinhosa tarefa de encontrar novos argumentistas capazes de preencher o vazio deixado por Sclavi. Um deles foi precisamente Roberto Reccchioni. Argumentista, desenhador, jornalista e escritor, Recchioni trabalhou para as principais editoras italianas, da Disney à Bdb Presse, onde se estreou, passando pela Panini, Eura Editoriale, Comic Art, Rizzoli, Magic Press e Bonelli, onde, para além da série Dylan Dog, escreveu argumentos para Tex, Gli Orfani e Le Storie. Antes de Mater Morbi, Recchioni tinha escrito apenas duas histórias de Dylan Dog: uma longa, ilustrada por Bruno Brindisi para a série mensal, e uma curta a cores, que Massimo Carnevale ilustrou para o número inaugural da nova revista Dylan Dog Color Fest.
Foi Marcheselli que era leitor assíduo do blogue de Recchioni onde ele descrevia os seus frequentes problemas de saúde, que o levaram por diversas vezes a uma cama de hospital, que se lembrou que ele, que estava sempre doente, seria a pessoa ideal para escrever uma aventura de Dylan Dog sobre doenças. Um tema que ia de encontro ao que o próprio Recchioni queria fazer na série pois, como refere numa entrevista: “creio que para se fazer algo de relevante com o personagem de Sclavi, é necessário que alguém sofra. Pode ser o argumentista, o desenhador, ou o personagem, mas pelo menos um dos três tem de passar realmente mal, expor-se, arriscar-se, sofrer. E essa história, que acabaria por ser Mater Morbi, proporcionava-me a oportunidade de passar realmente mal.”
Para dar vida aos temores mais íntimos de Recchioni, que usou a figura fantástica de Mater Morbi para tratar de forma metafórica temas bem reais como a solidão dos doentes e o encarniçamento terapêutico, estava o desenhador romano Massimo Carnevale que, para além da história curta para o Dylan Dog Color Fest #1, já tinha trabalhado com o argumentista em John Doe e Detective Dante, duas séries co-criadas por Recchioni. Apesar de uma agenda sobrecarregada pelas suas colaborações para o mercado americano, para onde realizou ilustrações para as capas de séries como Y the Last Man, Northlanders e Conan, the Barbarian, Carnevale não resistiu ao desafio de acompanhar o escritor nesta dura viagem ao coração da dor, onde reina Mater Morbi, a divindade sombria que se alimenta do sofrimento dos doentes, realizando um trabalho gráfico excepcional.
Resultado de um processo de colaboração quase orgânico entre o desenhador e o argumentista, apenas perturbado por divergências quanto à aparência de Mater Morbi, que Carnevale via mais como uma mistura entre “uma criatura de Giger e a Rainha dos Borg”, Mater Morbi veria a luz do dia em Dezembro de 2009, no #280 da série mensal Dylan Dog, com sucesso imediato.

O impacto de Mater Morbi não se restringiu ao mundo dos comics e a história esteve na origem de uma acesa polémica na comunicação social, quando a subsecretária da Saúde da altura, Eugenia Rocella, que não tinha lido o livro, veio acusar Mater Morbi de ser uma “ode à eutanásia e ao culto do super-herói”, acabando mais tarde por se retractar na primeira página do Corriere della Sera, admitindo que a história tocava temas de discussão muito importantes, sobretudo em termos da relação médico/paciente. Depois disso, Mater Morbi teve direito a uma edição de luxo da editora Bao (que serviu de base a esta edição da Levoir) e foi publicada em diversos países, incluindo nos E.U.A., onde arrebatou o Ghastly Award para Melhor Novela Gráfica de Terror publicada em 2016.
Mas para Recchioni, que é actualmente o editor responsável pela renovação da série Dylan Dog, o mais importante foi a reacção de Tiziano Sclavi, que disse que a história era verdadeiramente assustadora e quis conhecê-lo. Como Recchioni recorda no livro Dylan Dog Diary, publicado por ocasião do trigésimo aniversário da série: “A coisa que me deixou mais orgulhoso foi que, depois de ter lido a história, Tiziano Sclavi quis conhecer-me e deu-me os parabéns.
Mater Morbi, para mim, mudou tudo. E, de alguma maneira, tendo em conta o cargo que ocupo actualmente, mudou muita coisa também para Dylan Dog.”